Cartelera

ESTRENO EN CINES EL PRÓXIMO 6 DE OCTUBRE

Distancia De Rescate en el 69º Festival de Cine de San Sebastián

Distancia de rescate es una película simplemente correcta. Nos cuenta una historia interesante sobre la maternidad con toques mágicos. Su estructura busca ser mucho más compleja de lo que realmente necesita. Producción por encima de la media de Netflix. #69SSIFF

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presenta

Una producción de Gran Via / Paradise Falls

en colaboración con Fabula / Wanda Films

 

 

DISTANCIA DE RESCATE

DIRIGIDA POR Claudia Llosa

 

GUIÓN DE Claudia Llosa y Samanta Schweblin

 

BASADA EN LA NOVELA DE Samanta Schweblin

 

PRODUCIDA POR Mark Johnson, Tom Williams, Claudia Llosa

 

PRODUCTORES EJECUTIVOS Sandra Hermida, José María Morales, Natacha Cervi, Ken Meyer

 

COPRODUCTORES Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín, Miguel Morales

 

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA Oscar Faura

 

DISEÑADORA DE PRODUCCIÓN Estefanía Larraín

 

MONTADOR Guillermo de la Cal, AMMAC

 

MÚSICA DE Natalie Holt

 

SONIDO Fabiola Ordoyo

 

VESTUARIO Felipe Criado Quiroz

 

CASTING REALIZADO POR María Laura Berch

 

 

Protagonizada por: María Valverde (Amanda), Dolores Fonzi (Carola), Germán Palacios (Omar),

Guillermo Pfening (Marco), Emilio Vodanovich (David, 12), Guillermina Sorribes (Nina),

Marcelo Michinaux (David, 4), and Cristina Banegas (Mujer Casa Verde)

 

 

DISTANCIA DE RESCATE SE ESTRENARÁ EN DETERMINADOS CINES

Y A NIVEL MUNDIAL EN NETFLIX EL 13 DE OCTUBRE DE 2021

 

 

 

 

RESUMEN

 Una mujer agoniza lejos de casa. Un niño la acompaña a su lado. Ella no es su madre. Él no es su hijo. Juntos cuentan una historia inquietante de almas rotas, peligros invisibles y el poder y desesperación de la familia. Basada en la aclamada novela homónima de Samanta Schweblin.

SINOPSIS

Esta emocionante historia, contada desde una perspectiva completamente femenina, indaga en la naturaleza interconectada del amor y el miedo durante la maternidad. Una mujer llamada Amanda se va de vacaciones a un pueblo tranquilo de Argentina con su hija Nina. Amanda, constantemente preocupada por el bienestar de su hija, siempre está calculando la «distancia de rescate» necesaria para protegerla. Pronto descubre que aquello que la rodea no es lo que parece. Un chico del pueblo llamado David interroga a Amanda mientras ella lucha por dar sentido a su entorno. La belleza bucólica del campo es un contrapunto sorprendente para una historia inquietante de fuerzas oscuras, emociones poderosas y peligros por todos lados. De la directora peruana Clauda Llosa, basada en la novela homónima de Samanta Schweblin.

 

DECLARACIÓN DE LA DIRECTORA, CLAUDIA LLOSA

Creo que esta película trata de la angustia de la vida cotidiana. Habla sobre el horror de las cosas que vivimos día a día. Y eso es lo que me encanta de esta película. Se basa en algo muy cercano.

Recuerdo estar leyendo la novela de Samanta Schweblin y justo al llegar a la última página, dije: «Tengo que hacer esto». Nunca me había pasado esto, jamás en mi vida. En determinados momentos, el libro es muy visual. Esa es la poesía y el poder de la literatura. Había algo en la forma en que estaba ensamblada que me atrapó. Cerré el libro y comencé a intentar contactar con ella inmediatamente. Más tarde, descubrí que mucha gente había intentado lo mismo. Cuando le escribí, reflexioné mucho sobre lo que quería decirle en ese correo. He aprendido mucho de Samanta. Hemos tenido tiempo para hablar y crear. Estaban las imágenes, que eran muy específicas, y había otra historia sucediendo a otro nivel que parece ampliar la película. Y estaba ese sentimiento único y delirante que es también parte del concepto. Puedes sentir la necesidad, la confusión. Hay muchas capas en la historia. Me gusta cuando los sentimientos son ambiguos. Me gusta cuando puedes jugar con todos esos sentimientos. El desafío residía en dejarlo claro y, al mismo tiempo, que el espectador se pierda, en el buen sentido. Era bastante complicado. Así que hemos creado lo que puede parecer un puzle.

He explorado la maternidad en todas mis películas. He entendido en profundidad el miedo que se analiza en la película, un miedo completamente ancestral. Samanta ha puesto por escrito algo que todos sabemos, el equilibrio que se requiere a la hora de ser madre, ese sentimiento de «Tengo que dar libertad a mi hijo para que se convierta en una persona, pero al mismo tiempo tengo que estar ahí para protegerlo». Ese equilibrio es muy difícil. No sabes cuándo va a romperse y no sabes cuándo va a ser demasiado tarde.

Para mí, existen dos factores que han sido muy importantes en esta historia: uno es la distancia de rescate entre una madre y su hija (es muy física, casi puedes tocarla). Pero también existe con respecto a tu mundo. ¿Ya está rota? ¿Es un desastre que ya no puede arreglarse? Con la pandemia, estaba claro, todo el mundo reaccionó rápido. Hemos intentado ser buenos ciudadanos. Hemos intentado cumplir las normas, siempre por miedo. Pero creo que eso es solo la preparación para el verdadero desafío al que nos enfrentamos: el cambio climático o la emergencia climática. No estamos reaccionando con la misma rapidez con la que lo hicimos en la pandemia. Y tenemos que empezar a hacerlo.

                                                                                                                             

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

DISTANCIA DE RESCATE es una historia inquietante, misteriosa y evocadora que transcurre en la Argentina rural. La película, coescrita por la directora peruana Claudia Llosa y la autora argentina Samanta Schweblin, se basa en la novela homónima de Schweblin, Distancia de rescate, publicada en 2014. (La traducción al inglés Fever Dream se publicó en 2017).

La historia se desarrolla en la campiña argentina donde la belleza soleada contrasta de lleno con las catástrofes ambientales amenazadoras y los tensos vínculos afectivos que una madre tiende a establecer con un hijo. La dirección de Llosa transmite una poderosa sensación de terror casi desde el primer fotograma.

«Se trata de una historia de terror desde sus raíces, pero no de una convencional», dijo el productor Tom Williams. El título Distancia de rescate hace referencia a una escena crucial de la película en la que Amanda reflexiona acerca del tiempo y la distancia que tardaría en salvar a su hija si se enfrentara a un peligro inminente. La conciencia constante del peligro y la necesidad del rescate es un tema recurrente en la película.

«Parece una película de terror de un nivel superior que va dirigida a un público intelectual», dijo Mark Johnson, «pero creo que en realidad trata de dos madres que intentan proteger a sus hijos de un mal invisible. Los únicos hombres que aportan algo a la película no tienen idea de nada. No saben lo que está pasando realmente. Y las mujeres tienen esa conexión con sus hijos, pero también con la tierra y con el entendimiento de lo que ocurre en el mundo metafísico».

El primer desafío de la producción era captar la ambientación idílica desde el punto de vista visual a la par que se transmitía un sentido metafísico. Encontrar la ubicación adecuada para el rodaje era la clave. La novela se desarrolla en la Argentina rural, pero la película se filmó en Chile, en la zona norte de la Patagonia, durante la primavera de 2019.

«Necesitábamos un lugar muy específico, con agua, un río y también campo con grandes tierras y cereal», dijo Llosa, que vive en Barcelona. «Quería que se creara un sentido de pertenencia, pero al mismo tiempo que fuera un poco indefinido, que pudiera estar cerca de ti. Que te hiciera pensar que estás en Argentina, pero que expresara que podía ser cualquier parte. Podría ser tu país».

«Inicialmente, pensamos en hacer la película en inglés, incluso cambiar la ambientación a Estados Unidos, pero la historia era demasiado específica de Sudamérica», afirmó Johnson, quien se crio en España. «Por supuesto, se podría hacer en Estados Unidos, pero debido al folclore y al misticismo que contiene (con una mujer que es casi como una bruja), quisimos mantener la ambientación en Argentina. Y por supuesto, no tenía sentido filmarla en inglés si ocurre en Argentina... Me siento especialmente orgulloso de que lográramos mantenerla en español y que la hiciéramos en Sudamérica».

Pero la trama en sí tiene sus propios retos inherentes para la adaptación a la pantalla. Se cuenta de forma discontinua y por parte de dos narradores. Buena parte de lo que ocurre es interno. La protagonista, Amanda, dice que está atrapada en sus recuerdos. Asimismo, el argumento lo dirigen las emociones, lo que puede resultar complicado de evocar visualmente: inquietud, ansiedad y un miedo generalizado y perturbador.

«Era todo un desafío», afirmó Schweblin. «Supuse que sería así desde el principio y estaba preocupada. Creo que se planteaban tres desafíos: mantener la intensidad emocional que hace que el lector se enganche al libro, mantener una línea temporal discontinua, lo que resulta fundamental para narrar la historia y el otro gran desafío es el uso de la voz en off, lo que en el cine puede resultar complicado y un tema delicado. No obstante, tanto Claudia como yo teníamos muy claro que queríamos una adaptación que no perdiera esta idea de diálogo. Queríamos que la voz en off funcionara casi como ruido de fondo, como una melodía que se escucha al fondo de una sala, pero que puede saltar al frente con la misma intensidad como lo hace en el libro».

Esta coproducción global incluyó a productores de Estados Unidos, Chile y España, una compositora de Inglaterra y un reparto principalmente de Argentina. El equipo de producción procedía de Chile, Argentina, España y Perú. «Hemos tenido un gran equipo en Chile», dijo Llosa. «Sudamérica necesita hacer más cosas así, crear estas oportunidades para que trabajemos más a menudo juntos».

Johnson considera a Llosa todo un acierto para este material complejo y conmovedor. «Claudia se centra mucho en la tierra y en la conexión directa entre la gente y la tierra, y la mitología de esta y cómo estamos conectados a ella, así que era la persona adecuada para esta historia porque le importan estos temas», dijo Johnson. «Se siente muy atraída por la tierra de la misma forma que Terry Malick, aunque él suele estar interesado en un bicho que se encuentre en una rama más que en el primer plano de una superestrella de cine.

Johnson y Williams se sintieron cautivados por el material de referencia, lo leyeron de una sentada, y también por la forma en la que Llosa y Schweblin habían decidido adaptarlo.

Llosa, que vive en Barcelona, y Schweblin, en Berlín, trabajaron a diario durante todo un año, unas 5 horas al día vía Zoom. También quedaron ocasionalmente en persona durante una semana para trabajar de forma más intensiva.

«Creo que de verdad han logrado una forma maravillosa de contar la historia», dijo Williams. «Hay algo sobre esta trama que realmente penetra dentro de ti y activa los miedos que pensabas que habías superado y los saca de tal manera que les da dimensión. Ves físicamente y experimentas emocionalmente cosas que estaban muy enterradas: miedos básicos. Al conocer el estilo de películas que Claudia hace y el enfoque visual, emocional, lírico y poético que les da, parece la combinación perfecta».

Williams se apresura a señalar que el miedo que causa no se parece en nada a la típica película de terror. «No se trata de la típica historia de una casa embrujada o de pueblo fantasma», dijo Williams. «Todo a primera vista (e incluso a segunda y a tercera) parece bonito y bucólico. ¿Por qué no querrías estar allí y meterte de lleno en esa tierra? El agua parece tan limpia, los árboles y las puestas de sol, tan hermosos. Es una vida sencilla, pero obviamente no tan sencilla. Es una historia engañosamente sencilla que requiere muchas piezas. Como un rompecabezas o el mecanismo de un reloj o algo por el estilo. Creo que la trama trata de que el peligro viene del lugar al que no prestas atención».

Aunque los peligros de la historia se sienten reales, la producción no fue para nada peligrosa. «No hubo mucho tiempo para ensayos», dijo Johnson. «No obstante, uno de los aspectos más hermosos de hacer una película como esta y no tener mucho dinero es que todos teníamos una relación muy estrecha. En vez de tener dos caravanas, María y Dolores compartieron una, así que estuvieron juntas todo el tiempo. Creo que eso crea más lazos que cualquier ensayo.

De hecho, las actrices comparten una química que resulta palpable en la pantalla. «Amanda se siente fascinada por Carola y yo siento lo mismo por Dolores» dijo María Valverde, que interpreta a Amanda. «Dolores es un alma libre, llena de energía, una mujer valiente y pura. Pasamos todo el tiempo posible juntas entre bambalinas para estrechar lazos entre nosotras. Trabajar con ella ha sido una de las cosas más estimulantes que me ha ocurrido en los últimos años».

«Nos encomendamos conocernos la una a la otra y no resultó nada complicado», dijo Fonzi. «La parte más divertida cuando tienes que actuar a modo de amiga de alguien o te tiene que gustar alguien es hacer que parte de esa amistad sea verdadera en el momento en que tienes que interpretarla, ya que es la única forma de que transcienda todo».

A ambas actrices les entusiasmó el material de referencia. «Es una historia brillante llena de complejidad y poesía», dijo Valverde. «Es una de esas novelas que no puedes parar de leer y cuando la acabas, quieres más. Me dejó realmente alucinada. Veía esta experiencia como un desafío que me cambiaría de algún modo y así lo hizo. Esta película se quedará grabada para siempre en mi corazón y mi alma».

«Me leí la novela de Samanta a principios de ese año y me quedé fascinada», dijo Fonzi. «Y no hay nada mejor para una actriz que, tras haber leído el libro, te llamen para interpretarlo, sobre todo si te encantó el libro y admiras a su escritora. Claudia me llamó para interpretar el papel de Carola y me fascinó la idea. Claudia me parece una directora sensible e interesante y el personaje de Carola me resultaba muy atractivo. Fue como un regalo para mí».

Llosa sabía por sus audiciones que Valverde y Fonzi encajaban muy bien en sus respectivos papeles. «Sabía que había una conexión con ambas», dijo Llosa. «No quería que intimaran mucho antes de comenzar el rodaje porque quería que fuera un proceso de exploración, que entendieran dónde estaban los límites y se lo reservaran para la película».

Dice de Valverde que «tiene la naturaleza de algo casi etéreo. Esconde cierto misterio en ella que resulta hermoso». Y Fonzi «es la persona con la que quieres viajar. Sabes que te vas a divertir. Irradia un tipo de energía que resulta sorprendente, enigmático y salvaje».

Johnson resume con una sola palabra una descripción recurrente de Llosa por parte de aquellos que han trabajado con ella en un rodaje: «Imparable». Valverde dijo que Llosa «mide todos los detalles con cariño y cuidado y nunca se rinde». A lo que añadió Fonzi: «Es muy meticulosa, muy precisa. Trabaja con muchas referencias, sabe lo que quiere, sabe cómo lo quiere y busca en lo más profundo hasta dar con el punto crucial de lo que da forma a cada personaje en la película».

«No tiene límites en lo que respecta a la energía», dijo Johnson. «De vez en cuando contábamos con una segunda unidad para salir a filmar los caballos o un coche que debía pasar por la zona e igual ella ya llevaba todo el día trabajando. Yo daba por hecho que se iría a casa al acabar la primera unidad, pero siempre salía con la segunda también. Ni idea de cuánto dormía, pero nunca estaba cansada. Tiene un entusiasmo incesante y, además de contar con una muy buena preparación, una de las cosas que admiro de ella es que es muy flexible en cuanto a incidentes. Es decir, si algo emocionante ocurre inesperadamente en el rodaje, se asegurará de sacarle provecho. Por ejemplo, si comienza a llover, no pierde los papeles porque la escena no debiera suceder con lluvia, sino que se adapta como puede a esa lluvia.

De hecho, el entorno natural desempeña un papel casi tan importante en la película como las dos actrices principales. «Claudia tenía la idea de convertir la naturaleza en un personaje omnisciente», dijo el director de fotografía Óscar Faura. «Ya sean grandes planos generales de los campos de trigo o planos detalle de insectos, la naturaleza es siempre un elemento importante de la historia».

Y Llosa alaba la cinematografía pictórica y evocadora de Faura. «Tenía que ser muy preciso», comentó. «Necesitábamos crear una sensación de belleza y, al mismo tiempo, de terror».

Faura quería estar seguro de que sus imágenes transmitían la complejidad temática de la película. «No es una película de terror, pero resulta espeluznante a veces», dijo Faura. «No es una historia de amor, pero trata del amor y de proteger a los seres queridos. Así que el aspecto más desafiante fue probablemente dar con el tono».

Faura quería que, lentamente, pero de forma deliberada, el público se diera cuenta de que bajo esa belleza escénica acechaba algo terrorífico. «Traté de contribuir a crear esa sensación al hacer que la película mantuviera un aspecto razonable, naturalista y atractivo», dijo. «Y cuando llegaba la escena apropiada, me esforcé al máximo a la hora de profundizar en el género del terror. Ese contraste aumenta el poder del efecto dramático. Si estableces tu historia en un entorno más creíble, cuando algo terrorífico ocurre, el impacto es el doble».

Es algo a lo que está habituado Faura, que fue el director de fotografía de películas como El orfanato, Lo imposible y Un monstruo viene a verme. «Siempre me he sentido cautivado por la discrepancia entre el contenido visual y el narrativo», comentó. «Creo que ayuda a crear un conflicto en el público que ve la trama».

Parte de ese conflicto se logró jugando con la luz. «Hay mucho claroscuro, luz y oscuridad», dijo Williams. «Hay mucho contraste, escenas que se ruedan con siluetas o un personaje que apenas puedes ver porque se encuentra entre sombras y, de pronto, sale a la luz. Esas técnicas son maravillosas».

La coguionista y novelista Schweblin ha estado muy involucrada en la adaptación cinematográfica de su obra literaria escribiendo y deliberando con Llosa sobre la misma y pasando una semana en el rodaje. «Han hecho varias adaptaciones cinematográficas de mis historias y siempre me he desvinculado de ellas sin problemas», dijo. «Con Distancia de rescate, sin embargo, siento algo muy distinto. Es una historia delicada y, aunque admiro a algunos de los directores que me han contactado con ofertas, sentía que su visión no concordaba con la mía. Una adaptación cinematográfica no tiene que ser fiel a la referencia literaria. De hecho, a veces, cuando los directores de cine reinterpretan el material de la forma más distante posible de sus orígenes, más interesante se vuelve. Pero, en esta novela, hay un mensaje estético que es crucial, incluso muy político, por el que me siento muy comprometida. Me di cuenta rápidamente en mi primera reunión con Claudia la medida en la que ella entendía todo esto. Ya seguía su carrera con una gran admiración y al poco de empezar a hablar ya supe que con Claudia la novela estaría en buenas manos».

Schweblin se inspiró en lo que ocurría en su Argentina nativa. «Escribí Distancia de rescate en medio de una crisis política en Argentina debido a la regulación de los productos agroquímicos en las plantaciones de soja», dijo. «Al mismo tiempo, a un nivel más personal, pensaba en si quería o no ser madre. Supongo que eso es lo más maravilloso de la ficción, la oportunidad de ponerte a prueba con respecto a este tipo de preguntas y miedos, fue un ejercicio para enfrentarme a mis temores».

El material de referencia de Schweblin tenía un componente muy visual. «Siempre me he centrado en la literatura, pero estudié cine cuando estaba en la universidad», dijo. «Supongo que esto influye mucho en mi forma escribir. Para mí, la ficción se crea a partir de la emoción y de la tangibilidad. Todo es visual. Incluso si no hay nada que ver, como ocurre con la lectura en la que la ficción está hecha con palabras, me gusta dibujar imágenes claras en la cabeza del lector».

Llosa también creó imágenes claras a modo de guía para Faura. El director de fotografía trabajó con un guion visual que Llosa había concebido durante la preproducción a modo de guía. «Se trataba de un documento que mezclaba la escritura y referencias visuales muy diversas, y que mostraba muy bien su enfoque visual del proyecto», afirmó Faura. «Quería ir dejando pistas visuales por toda la trama que llevara al público a un nivel diferente de interpretación. Era crucial para crear la atmósfera. Estas metáforas visuales, como la silueta de un hombre y un caballo que forman un centauro improvisado, enriquecen la historia y la envuelven con imágenes emblemáticas que otorgan un plano muy poético a la película».

Además del imaginario visual, la banda sonora y el diseño acústico eran esenciales para intensificar el suspense. La música es minimalista para dejar hueco a los sonidos de la naturaleza. «Buena parte de la sensación de terror y del ambiente proviene del diseño acústico y de la música», declaró Williams. «Creo que mucho de ello funciona en el plano del subconsciente».

Por su parte, la compositora británica Holt se sintió atraída por la forma poco común en que se desarrolla la narrativa y, como madre, la historia le era familiar. Los sonidos ambientales de pájaros e insectos se integran con la sobria, pero también expresiva banda sonora. «La música tenía que resultar bastante emotiva», dijo, «pero también teníamos tiempo para quitarle todo artificio y crear algo realmente sutil y meditado. Era como una danza entre la música y el diseño acústico.

Durante el rodaje, Llosa consideraba al equipo como una especie de familia. «Es muy importante para mí sentir esa clase de conexión con toda la gente que hace la película conmigo», dijo. «Estoy rodeada de talentos deslumbrantes y se ha creado un gran sentido de comunidad en el proceso. Creo que el desafío era mantener la complejidad de la narrativa, de todos sus integrantes».

Además, la presencia de niños en el rodaje aportó una mayor familiaridad. «La pequeña Guillermina Sorribes (que interpreta a la hija de Amanda, Nina) tenía a su hermano y a su abuela con ella, que fueron un gran apoyo», dijo William. «Emilio Vodanovich, que interpreta al David más mayor, había participado en otras películas, así que ya conocía el lenguaje del rodaje y había trabajado con Dolores previamente. Estaba presente en el rodaje incluso cuando no le tocaba trabajar y pasaba el rato con el resto de niños. Por tanto, había una pequeña subcomunidad infantil durante la filmación. El joven David [Marcelo Michinaux] era fantástico. Tenía cuatro años y rebosaba energía, un gran aficionado a los superhéroes. Venía y te hablaba en español (idioma que apenas hablo) de Spiderman y presumía de todos sus muñecos de Batman. Había un sentido maravilloso de la camaradería entre los niños. Y lo hicieron realmente bien».

BIOGRAFÍAS

 

CLAUDIA LLOSA (Directora, coautora, productora)

Clauda Llosa es una directora peruana nacida en Lima el 15 de noviembre de 1976. Su segunda película, La teta asustada, una coproducción entre España y Perú, que ganó el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2009 y fue nominada a un Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 2010, es la coproducción peruana más galardonada de la historia, así como la primera y única en recibir ambos honores. La teta asustada también fue nominada a un Goya a la Mejor Película Iberoamericana.

La directora volvió al Festival de Cine de Berlín en 2012 con su corto Loxoro, en el que ganó el premio Teddy. Dos años más tarde, en la sección de competición oficial, presentó la película No llores, vuela (Aloft), una coproducción hispanocanadiense rodada en inglés con un elenco internacional que también inauguró el Festival de Cine de Málaga en 2014, en el que ganó el Biznaga de plata a la Mejor Fotografía. Llosa regresó a Berlín una vez más en 2015, aunque en esta ocasión como miembro del jurado oficial del festival. En 2017, el Festival de Cine de Málaga la galardonó con el premio Eloy de la Iglesia, que reconoce la originalidad del trabajo de los directores.

Claudia Llosa cuenta con una filmografía en la que no solo ha sido directora, sino también guionista y productora. Su última película, Distancia de rescate, basada en la novela de Samanta Schweblin y protagonizada por María Valverde y Dolores Fonzi, se estrenará a nivel mundial dentro de la selección oficial de la 69.ª edición del Festival de Cine de San Sebastián de 2021.

SAMANTA SCHWEBLIN (Coautora)

Samanta Scheblin nació en Buenos Aires en 1978. Sus colecciones de relatos cortos Pájaros en la boca y Siete casas vacías han ganado diversos galardones desde el premio Casa de las Américas, el premio Juan Rulfo hasta el premio de novela corta Ribera del Duero, entre otros. Distancia de rescate, su primera novela, ha sido nominada al premio Man Booker, galardonada como el mejor libro del año en Estados Unidos y ha sido traducida a más de treinta idiomas. Samanta Schweblin, que ha recibido premios por parte de diversas instituciones, ha vivido brevemente en México, Italia y China y actualmente reside en Berlín.

MARK JOHNSON (Productor)

Mark Johnson, ganador tanto de un Óscar (Rain Man) como de un Emmy (Breaking Bad), ha producido más de cuarenta películas y programas de televisión. Johnson ha producido todas las películas del escritor y director Barry Levinson desde 1982 hasta 1994. Además de Rain Man, su variada lista de reconocidas películas con Barry incluye Good Morning, Vietnam, El mejor, Dos estafadores y una mujer, Avalon, Diner y Bugsy, nominada a 10 premios de la Academia, incluidos el de Mejor Película y Mejor Director. Otras películas de Johnson son la franquicia Las Crónicas de Narnia y Not Fade Away de David Chase. Ha producido la película de Alfonso Cuarón La princesita; El diario de Noa, basada en el bestseller de Nicholas Sparks; Ballast, la película ganadora del premio Sundance, de Lance Hammer; la comedia de ciencia ficción de Tim Allen y Sigourney Weaver, Héroes fuera de órbita; El novato, dirigida por John Lee Hancock; el drama de gánsteres de Mike Newell, Donnie Brasco, protagonizado por Johnny Depp y Al Pacino, y Un mundo perfecto de Clint Eastwood, protagonizada por Kevin Costner. También ha producido la película de 2017 Una vida a lo grande de Alexander Payne protagonizada por Matt Damon, así como el debut como director de Simon Baker, Breath (Respira), una adaptación de la novela homónima de Tim Winton. Sus últimas películas incluyen El Camino, dirigida por Vince Gilligan, y Pequeños detalles de la Warner Bros, dirigida por John Lee Hancock y protagonizada por Denzel Washington. Actualmente, está produciendo el próximo largometraje de Alexander Payne, The Holdovers, protagonizado por Paul Giamatti. Más allá de la gran pantalla, Johnson ha sido productor ejecutivo del drama Breaking Bad, ganador del premio Peabody y de un Emmy; Rectify, ganador del Peabody, y de la serie original de la AMC, Halt and Catch Fire. En la actualidad es productor ejecutivo de la sexta y última temporada del drama nominado al Emmy, Better Call Saul, y de la esperada serie de televisión de la AMC, Entrevista con el vampiro, de Rolin Jones, una adaptación de la novela de Anne Rice. Johnson es miembro de la junta de directores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y ha sido durante dieciocho años presidente del Comité de selección de películas de habla no inglesa de la Academia.

TOM WILLIAMS (Productor)

Tom Williams comenzó su carrera cinematográfica en Scott Rudin Productions y obtuvo su primer crédito en pantalla con EL PROFESOR CHIFLADO 2: LA FAMILIA KLUMP, al trabajar para Brian Grazer en Imagine Entertainment. Poco después, se unió a Mark Johnson en Gran Via Productions y ayudó en la producción de escenarios naturales en películas como EL DIARIO DE NOA, EL ÁLAMO, y EL LEÓN, LA BRUJA Y EL ARMARIO.

Tras varios años, comenzó a supervisar la lista de largometrajes de Gran Vía y a controlar el desarrollo y la producción de LAS CRÓNICAS DE NARNIA, LA SOMBRA DEL CAZADOR y CÓMO COMER GUSANOS FRITOS, entre otras. Ha trabajado como productor ejecutivo en Miramax/Filmdistrict en la película NO TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD de Guillermo del Toro y protagonizada por Katie Holmes y Guy Pearce, y ha coproducido la película indie BENDÍCEME, ÚLTIMA dirigida por Carl Franklin. Ha sido productor ejecutivo en la película de Twentieth Century Fox/Walden Media NO NOS MOVERÁN, dirigida por Daniel Barnz y protagonizada por Viola Davis y Maggie Gyllenhaal. Recientemente, ha trabajado como productor ejecutivo en la película australiana BREATH (RESPIRA), basada en la novela ganadora de Tim Winton, y ha producido el drama independiente LAS COSAS QUE PIERDES, protagonizada por Aaron Paul y Mary Elizabeth Winstead. Entre otras muchas novedades, sus próximos proyectos incluyen THE HOLDOVERS, que será dirigido por Alexander Payne y cuya producción comenzará este invierno.

Además de su trayectoria profesional en el desarrollo y la producción cinematográficos, Tom también ha codirigido, junto con Tom Dolby, el largometraje de 2014 LAST WEEKEND, protagonizado por Patricia Clarkson y Joseph Cross y distribuido por Sundance Selects. Asimismo, ha trabajado como editor de la Guía Zagat de vida nocturna en Los Ángeles desde 2001 a 2005. Nació y se crio en Nueva York, aunque actualmente vive en Los Ángeles con su familia.

ÓSCAR FAURA (Director de fotografía)

Óscar Faura nació en Barcelona en 1975 y se graduó en la Escuela de Cine de Barcelona ESCAC. Desde 1999 trabaja como director de fotografía tanto en cine como en publicidad. Ha participado en el rodaje de los éxitos internacionales El Orfanato (2007), nominada al Premio de Cine Europeo, y Lo Imposible (2012), protagonizada por Naomi Watts y Ewan McGregor, por la que fue galardonado con el Premio Gaudí a la Mejor Fotografía en 2013. Entre sus últimos trabajos están The Imitation Game (Descifrando Enigma) (2014), Un monstruo viene a verme (2015) y Jurassic World: El reino caído (2018), dirigidas por J. A. Bayona.

Ha sido nominado al premio de la ASC a la Mejor Fotografía en The Imitation Game (Descifrando Enigma) (2014), ha ganado el Goya de la Academia de cine español a la Mejor Fotografía en 2017 y el Gaudí de la Academia de Cine catalán en 2017 por su excelente trabajo en Un monstruo viene a verme.

NATALIE HOLT (Compositora)

Natalie Holt es una compositora británica ganadora de múltiples premios, conocida tanto por sus grandes arreglos orquestales como por sus composiciones electroacústicas íntimas, texturales y, a veces, experimentales. La obra de Holt, enriquecida por su experiencia como violinista de formación clásica, existe en el espacio liminal entre lo orquestal, lo electrónico y lo contemporáneo.

Holt acaba de terminar la banda sonora de la película dramática de Netflix/Claudia Llosa, Distancia de rescate, que se estrenará en otoño de 2021.

Algunos de los trabajos importantes más recientes de Holt incluyen la serie Loki de Disney+ de Marvel Studios, protagonizada por Tom Hiddleston; el largometraje Senderos de honor sobre la Primera Guerra Mundial de Saul Dibb, compuesto en colaboración con la ganadora del Premio de la Academia Hildur Guðnadóttir, con quien recibió el Premio a la Mejor Banda Sonora Internacional en el Festival Internacional de Cine de Pekín en 2018. El trabajo de Holt con Martin Phipps en la serie nominada al premio Emmy de HBO Max The Honorable Woman, protagonizada por Maggie Gyllenhaal, ganó el premio Ivor Novello 2015, el premio a la composición más prestigioso del Reino Unido; también obtuvo una nominación al BAFTA por la mejor música original. Esa colaboración también llevó a una nominación al premio Emmy por la serie Victoria de PBS. En 2017, Holt ganó un Premio de Arte y Diseño de la Royal Television Society por la serie dramática de la BBC ganadora del premio BAFTA Three Girls, protagonizada por Molly Windsor, y fue nominada al mismo premio en 2020 por la miniserie El incendio (Deadwater Fell) del Canal 4, protagonizada por David Tennant.

Su música se puede escuchar en la película original de Amazon Studios, Volver a empezar, dirigida por Phyllida Lloyd (Mamma Mia), que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2020; Infiel de Cyrus Nowrasteh, protagonizada por Jim Caviezel; la serie ganadora del premio BAFTA de la BBC, Wallander, protagonizada por Kenneth Branagh; Cordelia de Adrian Shergold, protagonizada por Michael Gambon y Johnny Flynn; la ópera prima de Deborah Haywood Pin Cushion, protagonizada por Lily Newmark; Press, la miniserie de la BBC, protagonizada por Charlotte Riley; la serie Knightfall de History Channel, protagonizada por Mark Hamill y Tom Cullen; la serie dramática de PBS Beecham House, protagonizada por Tom Bateman y Lesley Nicol; y en muchas más.

También ha contribuido con música complementaria en La dama de oro de Simon Curtis, compuesta por Martin Phipps y Hans Zimmer y protagonizada por Helen Mirren y Ryan Reynolds; y en la película Paddington de Paul King, nominada al premio BAFTA y protagonizada por Hugh Bonneville.

Holt ha estudiado composición en la Escuela Nacional de Cine y Televisión de Londres y violín en la Royal Academy of Music. La distinción de Holt en su campo se reconoció al ser nombrada Asociada de la Royal Academy en 2017. El trabajo de Holt como música profesional ha pasado por actuar en los Juegos Olímpicos de Londres, grabar con artistas como George Michael y Ellie Goulding y con la London Metropolitan Orchestra en innumerables películas, así como tocar con artistas como Lady Gaga, Ed Sheeran y Andrea Boccelli; su musicalidad polifacética continúa alentando su composición.

Holt vive entre Londres y Los Ángeles.

MARÍA VALVERDE («Amanda»)

A la madrileña María Valverde siempre le ha fascinado el mundo de la actuación desde que era pequeña. En 2003 hizo su debut en la gran pantalla en la película de Manuel Martín Cuenca, La flaqueza del bolchevique, por la que ganó el premio a la mejor actriz en la 18.ª gala de los Goya con 16 años.

Desde entonces, ha participado en más de una docena de películas, ha actuado en español e inglés y ha rodado en España, Italia, Reino Unido, Estados Unidos, Francia, Chile, Argentina, México y Venezuela.

Aparece en los créditos de CRACKS (2009), producida por Ridley Scott, dirigida por Jordan Scott y coprotagonizada por la actriz francesa Eva Green; MELISSA P (2005), dirigida por Luca Guadagnino, y A TRES METROS SOBRE EL CIELO (2010), así como en series de TV: HERMANOS (2014) y LA FUGA (2012).  De nuevo se asoció con el legendario Scott en su película EXODUS: Dioses y reyes (2014), en colaboración con Christian Bale. En Estados Unidos, Valverde ha protagonizado BROKEN HORSES, junto con Anton Yelchin (2015); consiguió papeles en LOS MISTERIOSOS ASESINATOS DE LIMEHOUSE (2016) (con Olivia Cooke y Bill Nighy) e INMERSIÓN (PLONGER) (2017) dirigida por Melanie Laurent y coprotagonizada por Gille Lellouche.

María protagoniza la película chilena ARAÑA (2019) de Andrés Wood, aclamada por la crítica el año pasado, y las películas aún no estrenadas DISTANCIA DE RESCATE (2021) dirigida por Claudia Llosa y FUIMOS CANCIONES de Juana Macías.

La Academia de cine español otorgó a Valverde un Goya y un premio CEC a la Mejor Actriz Revelación por su papel en LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE. Fue seleccionada como Mejor Actriz en el Screamfest 08 de Los Ángeles por sus actuaciones en EL REY DE LA MONTAÑA y, en el Festival de Cine de Berlín de 2016, recibió el galardón de «Estrella Fugaz Europea».

DOLORES FONZI («Carola»)

Dolores Fonzi es una actriz argentina nacida en Buenos Aries el 19 de julio de 1978. A los 18 años hizo su primera aparición en televisión en la serie La Nena y dos años después ganó popularidad y éxito con su papel de la villana Clara Vázquez en la telenovela Verano del 98. A finales de 1999, dejó la serie para formar parte del elenco de Plata Quemada de Marcelo Piñeyro y Esperando al Mesías de Daniel Burman.

En 2002 pasó a formar parte del reparto de la exitosa telenovela El Sodero de mi Vida del Canal 13 y continuó trabajando en diversas producciones y con directores de renombre como Damián Szifrón, Pablo Agüero y Fabián Bielinsky: Vidas privadas (2001), El fondo del mar (2003), El aura (2005), La mujer rota (2007), Salamandra (2008), El club de la muerte (2008) y El campo (2011), por la que fue nominada al premio Silver Condo a la Mejor Actriz. En total, Dolores ha participado en más de 20 largometrajes a lo largo de su carrera. No solo se ha destacado por su trabajo en pantalla sino también por su trabajo teatral. Ha protagonizado obras como Isóceles, Dios Perro, El Sr. Bergman y Dios, Amanda y Eduardo, y Llegó la noche, entre otras.